Harmonie de Blois

Musicien mais aussi dramaturge, philosophe et metteur en scène, Richard Wagner n’a eu aucun rival dans l’Allemagne de son temps. Sous sa plume et sous sa direction, l’opéra est devenu une œuvre d’art totale.
Réformateur du théâtre lyrique, Richard Wagner est avant tout un compositeur d’opéras : il a révolutionné le genre à la fois dans sa forme, dans sa dramaturgie, dans l’écriture musicale et dans l’orchestration, en posant ainsi les jalons du XX^ème siècle.
Son génie artistique est doublé d’une personnalité controversée. En effet, Wagner ne laisse pas indifférent et son œuvre, marquée par des considérations politiques et idéologiques, continue de diviser les connaisseurs et les mélomanes.
Obsédé toute sa vie par la fondation d’une école, Wagner s’est élevé au-dessus des conventions qui faisaient de l’opéra un simple divertissement. Il considère le théâtre lyrique comme le lieu d’une initiation sacrée, et la tragédie, comme un jeu scénique solennel. C’est ce rôle qu’il s’attribue en composant des drames musicaux où le texte devient musique, la musique action et l’action théâtre.
Tout comme pour son précédent opéra Tannhäuser, Wagner s’inspire de la littérature médiévale germanique pour composer en 1850 son opéra Lohengrin. Il raconte l’histoire de ce mystérieux chevalier accompagné
d’un cygne, venu sauver la jeune Elsa accusée à tort d’avoir tué son frère. Elsa lui promet en retour de l’épouser, mais elle ne doit jamais lui demander son nom. Le chevalier remporte son tournoi qui prouve l’innocence d’Elsa et les noces sont célébrées. Malheureusement, Elsa, influencée, ne peut s’empêcher de lui demander qui il est. Lohengrin fils de Parsival, chevalier du Graal est contraint de partir tandis que le cygne se transforme en Gottfried, frère d’Elsa.

La procession d’Elsa correspond à son arrivée à la cathédrale pour son mariage avec ce mystérieux chevalier blanc. Les nobles dames et chevaliers saluent Elsa sur son passage jusqu’à son entrée dans la cathédrale. Les voix et les instruments se fondent dans un climat de beauté joyeuse.

Compositeur, pianiste et chef d’orchestre autrichien de la période charnière entre le XIX^ème et le XX^ème siècle, Gustav Malher initie la transition vers le post-romantisme et le modernisme en bouleversant le genre symphonique.
Issu d’une famille juive modeste, il étudie au Conservatoire de Vienne où il suit notamment des cours d’harmonie et de composition puis occupe différents postes de chef d’orchestre et de directeur musical en Europe centrale et en Autriche.
Son génie de l’orchestration est remarqué lorsqu’il dirige Mozart, Beethoven et Wagner à l’opéra de Prague, salle qu’il quitte en raison de conflits avec l’administration et les musiciens. Sa nomination comme directeur musical de l’opéra de Vienne, capitale alors en pleine ébullition artistique, constitue l’apogée de sa carrière. Dans le désaccord qui oppose les conservateurs (Brahms) aux progressistes (Wagner), Gustav Mahler choisit son camp, celui de Wagner, qui le fascine par la révolution musicale qu’il porte. Il finit sa carrière à l’orchestre philharmonique de New York.
Par leurs dimensions monumentales et la démesure de l’effectif orchestral, les symphonies de Mahler constituent des chefs d’œuvre du romantisme.

Depuis que Luchino Visconti s’est servi de l’Adagietto de la Symphonie n°5 comme leitmotiv du film Mort à Venise, ce mouvement est sans aucun doute le mouvement le plus prisé de tout l’œuvre de Gustav Mahler.

Né en 1899 près de Mexico, Carlos Antonio de Padua Chávez est le compositeur le plus influent de son pays.
Il commence le piano à l’âge de 9 ans et devient en 1910 l’élève de l’un des plus importants compositeurs du Mexique de l’époque, Manual Ponce.
Il se met à composer peu de temps après, écrit plusieurs petits morceaux et montre un talent certain pour l’improvisation au clavier.
Largement autodidacte, Chávez n’a jamais essayé de devenir le disciple d’un autre compositeur, il préfère s’appuyer sur sa propre analyse des œuvres des maîtres. Toutefois, il complète ses études au Conservatoire National où il reçoit un diplôme en composition.
Le premier concert public dévoilant la musique de Chávez a eu lieu en 1921.
Lors d’un séjour à Paris, Chávez se lie d’amitié avec le compositeur Paul Dukas, qui l’encourage à se concentrer sur le riche héritage musical du Mexique, mais l’accueil réservé du public mexicain pour ses concerts l’amène à partir à New York en 1926. C’est à New York qu’il se lie d’amitié avec Aaron Copland et Edgar Varèse qui l’aident à rencontrer ceux qui font bouger la musique à cette époque. On se met enfin à écouter ses œuvres et celles-ci reçoivent alors une critique favorable.
Après avoir reçu la reconnaissance tant méritée, Chávez retourne au Mexique en 1928 où il accepte le poste de directeur musical de l’Orquesta Sinfónica Mexicana. Réorganisé sous sa direction, l’orchestre devient le premier orchestre permanent de l’histoire du Mexique, battant son plein pendant 21 saisons sous sa direction.

C’est dans les années 30 que beaucoup des œuvres mémorables de Chávez ont vu le jour. C’est le cas de Sinfonia India, créée en 1935 et jouée pour la première fois en concert en 1936, sous la direction de Carlos Chávez lui-même.

Compositeur, chef d’orchestre et pianiste américain, John Williams est né en 1932 à New York. Fils d’un percussionniste, il étudie le piano dès l’âge de sept ans puis le trombone, le tuba et la trompette. A quinze ans, il dirige son propre groupe de jazz et s’essaie à l’arrangement.
Il compose dans les années 50 plusieurs œuvres de jazz et commence à composer pour la télévision et le cinéma.
Son travail particulièrement innovant impressionne Steven Spielberg qui lui demande d’écrire la musique de « Sugarland Express » en 1974. Une longue collaboration commence puisqu’il devient son compositeur fétiche et participe à 21 de ses films : « Les dents de la mer », « E.T. l’extra-terrestre », « Indiana Jones et la dernière croisade » et « Jurassic Park » notamment.
Il collabore aussi activement avec George Lucas pour qui il écrit la musique du film « Star Wars ».
John Williams a plus de 75 musiques de films à son actif, ce qui l’a conduit à être nommé plus de 40 fois aux Oscars et à en obtenir 5 pour « Un Violon sur le Toit » (1971), « Les Dents de la Mer » (1975), « Star Wars Episode IV » (1977), « E.T. » (1982) et « La Liste de Schindler » (1993).

Flight to Neverland est extrait de la bande originale du film fantastique de Steven Spielberg « Hook ou la revanche du capitaine Crochet », sorti en 1991. Réunissant Dustin Hoffman, Robin Williams, Julia Roberts et Bob Hoskins, le scénario montre un Peter Pan adulte, devenu un avocat d’affaires marié et père de deux enfants, mais ayant occulté son passé jusqu’au jour où le capitaine Crochet réapparaît et enlève ses enfants…

1. Prologo – Il Tema di Messer Grande (Prologue – le thème de Messer Grande)
2. Cadenza – Atto di Presentazione (Cadence – Acte de présence)
3. La Vita a Corte (La Vie à la Cour)
4. L’Arresto di Casanova (L’Arrestation de Casanova)
5. Reminiscenze (Rêveries)
6. L’Evasione dai Piombi (L’Evasion de la prison de Piombi)
7. M.M. e C.C. (M.M. et C.C.)
8. Finale e Stretto : Il Trionfo dell’Amore (Le Triomphe de l’Amour)

Né en 1953 aux Pays-Bas, Johan De Meij a commencé sa carrière musicale en étudiant le trombone au Conservatoire Royal de la Haye. Musicien accompli, il a joué pendant 14 ans dans l’un des ensembles de cuivres les plus prestigieux d’Europe : le Dutch Brass Sextet et est aujourd’hui membre de plusieurs orchestres professionnels.
Parallèlement à sa pratique du trombone, Johan De Meij a travaillé la direction d’orchestre et est actuellement souvent invité à diriger des orchestres d’harmonie et à animer des master-class dans le monde entier.
Mais Johan De Meij s’est aussi illustré comme brillant compositeur et arrangeur, essentiellement pour orchestre d’harmonie. Très vite, ses arrangements n’ont plus été joués uniquement par l’Orchestre d’Harmonie Professionnel d’Amsterdam mais par de nombreux orchestres hollandais et étrangers. Son œlig;uvre comprend des œuvres originales, des transcriptions d’œuvres symphoniques et des arrangements de musiques de films et de comédies musicales.
Sa plus célèbre composition est la symphonie Le Seigneur des Anneaux, inspirée du roman du même nom de J.R.R. Tolkien, que vous avez pu entendre ici même, il y a tout juste 8 ans, lors de notre concert de noël. Composée entre 1984 et 1987 et créée en 1988 à Bruxelles avec le chef d’orchestre Norbert Nozy, cette symphonie a été primée en 1989 au prestigieux Concours International de Composition Sudler à Chicago.

En 1999, Johan De Meij réalise 2 rêves de jeunesse en composant Casanova : écrire une œuvre en hommage à Giacomo Puccini, un de ses compositeurs favoris, et écrire une œuvre pour violoncelle et orchestre à vents.
À travers Casanova, il illustre par 8 tableaux musicaux la vie mouvementée de ce célèbre coureur de jupons qui vécut en Italie de 1725 à 1798 :

• sa vie à la cour, synonyme d’abondance en tout genre,
• son arrestation, pour pratiques magiques, libertinage et athéisme, et son transfert à la prison Il Piombi de Venise,
• sa captivité, pendant laquelle il médite sur sa vie mouvementée et rencontre le moine Balbi, avec qui il va élaborer un ingénieux plan d’évasion,
• son évasion vers le couvent de l’île de Murano, où il entretient des relations amoureuses avec 2 religieuses (par souci de discrétion, les mémoires de Casanova ne mentionnent que leurs initiales : M.M. et C.C. !).

Sur commande de la Fondation musicale néerlandaise « Fond voor de Scheppende Toonkunst » et à la demande de l’orchestre d’harmonie « Saint Michel » de Thorn, il dédie cette œuvre à Heinz Friesen, son chef d’orchestre. En août 1999, Casanova obtient le Premier Prix en Première Catégorie du Concours International de Composition à Corciano en Italie.

Giacomo Casanova sera représenté ici par le violoncelliste Yanis Boudris, élève de Vincent Daguet, professeur du Conservatoire à Rayonnement Départemental de Blois.